Khám phá triển lãm nghệ thuật New York Studio School: This Heat
Khám phá triển lãm nghệ thuật New York Studio School: This Heat
Nguồn:
Tôi đã có dịp tham quan triển lãm nghệ thuật New York Studio School mang tên This Heat, một sự kiện nghệ thuật độc đáo do Jacob Brooks giám tuyển. Triển lãm được tổ chức tại hai phòng trưng bày rộng rãi của trường, sau đợt cải tạo gần đây, mang đến không gian lý tưởng để chiêm ngưỡng tác phẩm của Brenda Goodman, Steve DiBenedetto và khám phá các sáng tạo của Bendix Harms. Trong khi hai nghệ sĩ đầu đã quen thuộc với tôi qua nhiều năm theo dõi và viết bài, thì Harms lại là một cái tên hoàn toàn mới mẻ, tạo nên sự tò mò đặc biệt cho cuộc trưng bày này. Điều gì đã kết nối những cá tính nghệ thuật có vẻ khác biệt này?
Thông báo về triển lãm đã gây ấn tượng mạnh vì nó kết hợp hai gương mặt kỳ cựu của giới nghệ thuật New York với một nghệ sĩ mà tôi chưa từng biết đến. Câu hỏi đặt ra là liệu có một mối liên hệ hình thức nào giữa họ, và nếu có, đó là gì? Từ lâu, tôi đã nhận thấy một cuộc đối thoại phức tạp và tinh tế trong nghệ thuật đương đại về mối quan hệ giữa trừu tượng và hình tượng, giữa mờ đục và trong suốt, điều này thể hiện rõ nét trong tác phẩm của Goodman và DiBenedetto. Tôi cũng tin rằng cả hai nghệ sĩ này đều không ngừng đổi mới, không bị bó buộc bởi một phong cách đặc trưng hay áp lực phải cân bằng giữa ý nghĩa xã hội và sự thỏa mãn cá nhân – một thách thức lớn mà ít nghệ sĩ đương đại nào vượt qua thành công. Họ không quay lưng lại với thế giới mà giải quyết nó theo những cách bất ngờ, thú vị, đầy hài hước và trí tưởng tượng. Với sự xuất hiện của Harms, câu hỏi được đặt ra là tác phẩm của ông sẽ đóng góp như thế nào vào cuộc đối thoại này, và liệu nó có thực sự cần phải như vậy không? Có điều gì đó hơi lệch lạc và thiếu học thuật trong cách sắp xếp nhóm này, một yếu tố mà tôi nghĩ rằng công tác giám tuyển cần nhiều hơn.
Toàn bộ triển lãm trưng bày 17 tác phẩm. Trong số đó, ba thuộc về Harms, còn 14 tác phẩm còn lại được chia đều cho Goodman và DiBenedetto. Sự phân bổ không đồng đều này đã buộc người xem, ít nhất là tôi, phải liên tục điều chỉnh trọng tâm để đánh giá điểm mạnh riêng của từng nghệ sĩ, để xem xét cách họ tương tác (hoặc không tương tác) với nhau, và để cố gắng gạt bỏ những cân nhắc này nhằm thưởng thức các tác phẩm một cách độc lập. Đây là một thách thức bất ngờ nhưng không hề khó chịu, đưa tôi ra khỏi vùng an toàn quen thuộc.
Cuối cùng, tôi nhận ra rằng việc so sánh trực tiếp các tác phẩm của ba nghệ sĩ này có thể là một ngõ cụt. Tác phẩm của Harms, dù chỉ chiếm chưa đầy một phần ba triển lãm, nhưng việc có một nghệ sĩ không đến từ New York là một sự can thiệp tuyệt vời. Bởi vì, New York Studio School thường mang lại ấn tượng về một môi trường khá khép kín với phương pháp giảng dạy dựa trên một khái niệm hẹp về nghệ thuật. Sau khi rời khỏi không gian trưng bày, tôi ngồi tại khu vực tiếp tân của trường và đọc tờ giới thiệu do Brooks viết. Tôi biết rằng Harms lấy cảm hứng từ môi trường sống xung quanh và vẽ trực tiếp trên vải bằng dao bay. Tìm hiểu sâu hơn, tôi phát hiện ông là một nghệ sĩ người Đức 59 tuổi, hiện đang sống tại một trang trại hẻo lánh ở miền bắc Đan Mạch.
Tác phẩm của Bendix Harms: Khi Hài Hước Gặp Bạo Lực
Trong tác phẩm “Tears of No Return” (2020), Harms tạo ra một không gian phẳng, nhiều lớp với hai con chim lớn (một xanh lá, một xanh dương) ngực phồng, một con mèo đen mắt vàng với vết máu chảy ra từ miệng, và một khuôn mặt xanh ngọc lớn với một mắt có thể nhìn thấy, đang khóc. Một cánh tay và bàn tay xanh ngọc lơ lửng che chở phía trên con chim xanh lá, con chim này có bốn vết cào đỏ hằn sâu trên ngực. Khung cảnh hài hước thô tục này truyền tải sự bạo lực của một thế giới bị chiếm giữ bởi những kẻ săn mồi (mèo) và những sinh vật yếu ớt (chim). Nước mắt của người đàn ông nhấn mạnh sự bất lực của anh ta trong việc duy trì sự hòa hợp. Anh ta nên làm gì? Trừng phạt con mèo và phủ nhận bản năng tự nhiên của nó? Harms đặt ra những câu hỏi sâu sắc qua hình ảnh sống động.
Brenda Goodman: Nỗi Đau và Sự Bí Ẩn Qua Bảy Thập Kỷ
Sự hài hước đặc trưng của Harms đã ảnh hưởng đến cách tôi cảm nhận tác phẩm của Goodman và DiBenedetto theo những cách bất ngờ. Goodman từng chia sẻ rằng tác phẩm của cô ấy nói về “nỗi đau và nỗi buồn”. Sáu bức tranh với kích thước khác nhau và một tác phẩm trên giấy quy mô nhỏ, được thực hiện từ năm 2020 đến 2026, bao gồm các tiêu đề như “Covid 3” (2021), “Covid 5” (2021) và “Not That Again” (2024). Di chuyển giữa trừu tượng và hình tượng, Goodman neo giữ các bức tranh của mình trong trải nghiệm cá nhân nhưng không bao giờ hoàn toàn trở thành truyện kể. Trong tác phẩm “Mounting Thoughts” (2024), một bức tranh mà tôi liên tục quay lại, tôi không thể xác định chính xác mình đang nhìn thấy gì. Ba hình nón chất đống trên một cái bàn, nghiêng lên phía mặt phẳng của bức tranh. Hình dạng màu nâu bên trái và phía sau đống có thể là đỉnh của các tựa ghế một mảnh. Chúng ta dường như đang nhìn một căn phòng u ám. Liệu đống hình nón màu trắng xám có liên quan đến những ý nghĩ chồng chất được ám chỉ trong tiêu đề không? Cái màu đen đang rỉ ra từ các khoảng trống giữa các hình dạng là gì, và chúng từ đâu mà ra? Trong suốt bảy thập kỷ sự nghiệp của mình, Goodman đã di chuyển qua lại giữa rõ ràng và bí ẩn mà không hề mất đi sức mạnh nào. “Mounting Thoughts” thuộc về phía mờ đục, và tôi đã bị bất ngờ bởi sự vô lý kỳ quặc của bức tranh, điều này càng trở nên rõ ràng hơn khi đặt cạnh những tác phẩm đầy màu sắc, vui tươi kỳ lạ của Harms.
Khám Phá Triển Lãm Nghệ Thuật New York Studio School: Steve DiBenedetto và Sự Huyền Bí Của Sơn
Nhiều bức tranh của DiBenedetto gây ấn tượng với sự kết hợp kỳ lạ giữa ghê rợn và hài hước, như một sinh vật không tay đang cố gắng tô son bằng mũi. Sự hài hước đó, mà tôi thấy nảy sinh từ sự tức giận, tuyệt vọng và dịu dàng, được đánh dấu bằng cam kết khám phá các trạng thái biến đổi, truyền vào những bức tranh hướng về quy trình này với những hình tượng vừa có vẻ nguyên thủy vừa hậu tận thế. Giống như Goodman, tôi luôn cảm thấy mình đang nhìn vào một cái gì đó tồn tại — một dạng sống — nhưng không thể gọi tên. Trong tác phẩm “Isotope Plus” (2026), bức tranh lớn nhất trong số bảy tác phẩm của DiBenedetto trong triển lãm, một hình dạng phẳng, nhiều chi chiếm phần lớn nền xanh rực rỡ. Đây là hóa thân mới nhất của sự ám ảnh lâu dài của nghệ sĩ với bạch tuộc; hình dạng này giống như một cơ thể bị lộn trái; có những hốc màu (hay là mắt?) phân tán trên bề mặt màu cam và nâu.
Mặc dù tôi đã xem và viết về các bức tranh của DiBenedetto trong một thời gian dài, nhưng tôi chưa bao giờ nghĩ rằng sơn có thể được coi là ectoplasm – một chất hoặc năng lượng tâm linh được tiết ra bởi một cơ thể trong trạng thái thôi miên. Mô tả của nhà nghiên cứu tâm linh Gustav Geley về vật liệu này là “rất đa dạng về hình thức, đôi khi là hơi, đôi khi là bột nhão dẻo, đôi khi là một bó sợi mịn, hoặc một màng với các chỗ phồng hoặc tua, hoặc một mô giống vải mịn” đã vang vọng một cách kỳ lạ trên bề mặt sơn của DiBenedetto. Với ông, sơn không chỉ là sơn; nó là một cánh cổng đến những chiều không gian khác.
Cảm giác rằng sơn còn hơn cả một phương tiện vật lý được thể hiện rõ ràng trong tác phẩm của DiBenedetto, kết nối ông với các nghệ sĩ đa dạng như Alfred Jensen và Antonin Artaud, những người tin rằng nghệ thuật có thể mở rộng ý thức của người xem đến một trật tự cao hơn. Đồng thời, với các tiêu đề như “Lettuce Leaf Control Panel” (2026) và “Your Problem is Obvious” (2026), DiBenedetto liên hệ nghệ sĩ với pháp sư lừa đảo. Sự căng thẳng giữa nghiêm túc và tự giễu cợt, vũ trụ và hài hước, là một luồng gió mới rất cần thiết trong thế giới tự mãn này, đặc biệt là trong bối cảnh các triển lãm nghệ thuật New York Studio School thường hướng đến sự hàn lâm.
Triển lãm This Heat: Brenda Goodman, Steve DiBenedetto, and Bendix Harms tiếp tục trưng bày tại New York Studio School (8 West 8th Street, Greenwich Village, Manhattan) đến hết ngày 18 tháng 10. Đừng bỏ lỡ cơ hội khám phá những góc nhìn độc đáo và đầy sáng tạo của các nghệ sĩ này.
